За день до Вербного воскресенья христиане всего мира отмечают ещё один светлый праздник — Лазареву субботу. Согласно Евангелию, Иисус Христос воскресил Лазаря, когда тот был уже 4 дня как мёртв — именно после этого многие уверовали в Иисуса, а фарисеи из страха решили убить Спасителя. В текущем году Лазарева суббота выпадает на 12 апреля — в преддверии праздника АиФ.ru рассказывает, каких художников вдохновил библейский сюжет.

Фреска Джотто «Воскрешение Лазаря» (1304-1306)

Согласно подсчётам искусствоведов, на создание фрески Джотто ди Бондоне (или просто Джотто) потратил 852 дня — художник писал по влажной штукатурке, и каждый день её наносили ровно столько, сколько он мог «освоить» за раз. Каждый персонаж фрески — словно драматический герой: Иисус излучает божественную силу, Лазарь напоминает тряпичную куклу, его благодарные сёстры Марфа и Мария бросаются в ноги Чудотворцу, а оставшиеся герои или изумлены произошедшим, или закрывают лицо от смрада, исходящего от тела Лазаря. Работа находится в Капелле дель Арена (Падуя).

Фрагмент фрески Джотто «Воскрешение Лазаря». Написана в 1304-1306 годы.

Картина Альберта ван Оуватера «Воскрешение Лазаря» (около 1450)

О нидерландском художнике, которого называют мастером пейзажа, не сохранилось практически никакой информации, однако «Воскрешение Лазаря» — единственное полотно, чья «принадлежность» кисти Оуватера не вызывает никаких сомнений. Героев живописец «разместил» не в тёмной пещере, а в просторном помещении с высоким сводчатым потолком, колоннами и окнами, из которых льётся свет.

Фрагмент картины «Воскрешение Лазаря» Альберта ван Оуватера. Написана около 1450 года.

Караваджо «Воскрешение Лазаря» (1608-1609)

Свой шедевр художник закончил за год со смерти. По мнению некоторых искусствоведов, Караваджо спешил скорее завершить картину, поэтому фон он «проработал» не так тщательно, как персонажей — их автор поместил на фоне тёмной пещеры. К его Лазарю постепенно возвращается жизненная сила — капля за каплей. По легенде, для достоверности Караваджо рисовал своего героя не с живого натурщика, а с эксгумированного тела.

Караваджо «Воскрешение Лазаря» Написана в 1608-1609 годы.

Картина Гверчино «Воскрешение Лазаря» (1619)

Рембрандт Харменс ван Рейн «Воскрешение Лазаря». 1630 год.

Итальянский живописец Гверчино принадлежал к Болонской школе. Согласно принципам этого «течения», библейские сюжеты не могли быть изображенными грубо или лишёнными красоты, поэтому, создавая свой шедевр, автор пригласил только красивых натурщиков, а его Лазарь «пышет» здоровьем. Гверчино использовал много тёмных красок, однако его герои словно «выхвачены» из мрака.

Картина Рембрандта Харменса ван Рейна «Воскрешение Лазаря» (около 1630)

Голландский художник поместил на первый план своей картины восстающего Лазаря — причём не полного сил мужчину, как у Гверчино, а действительно напоминающего покойника — завёрнутого в саван и мертвенно бледного. Сумрак пещеры Рембрандт «осветил» фонарем — его сияние акцентирует внимание на поднятой вверх руке Иисуса и показывает лица пораженных чудом родственников.

Картина Винсента Ван Гога «Воскрешение Лазаря» (1890)

«Воскрешение Лазаря» Ван Гога называют подражанием Рембрандту, однако художник не копировал, а заново переосмыслил картину голландского мастера. На своё полотно Ван Гог «перенёс» главных рембрандтовских персонажей — обёрнутого в саван Лазаря и двух его сестёр, Марфу и Марию. Однако центральную фигуру — самого Христа — художник оставил «за кадром». Таким образом, Ван Гог нарисовал чудо Иисуса, при этом «убрав» самого Спасителя — вместо Него автор изобразил сияющее солнце.

Винсент Ван Гог. «Воскрешение Лазаря». 1890 год.

Картины и рисунки Михаила Нестерова «Воскрешение Лазаря»

К евангельскому сюжету советский художник, который больше 20 лет расписывал храмы и создавал иконы, обращался несколько раз: среди его работ есть и эскизы к росписям церквей (1899), и картина маслом на холсте (1900), изображающая чудо воскрешения. Автор немного отходит от канонов русской иконописи: своих персонажей он представляет не как святых, апостолов или других библейских героев, а как обычных людей, которые ищут свой путь к Богу. Как говорил сам Нестеров, «Я избегал изображать так называемые сильные страсти, предпочитая им наш тихий пейзаж, человека, живущего внутренней жизнью».

Одна из работ Михаила Нестерова. «Воскрешение Лазаря».

Богиня любви и красоты на картине Боттичелли грустна и отрешена от мира. Ее печальное лицо притягивает наш взгляд. Почему в ней нет счастья, радости открытия и узнавания мира? О чем хотел поведать нам художник? Психоаналитик Андрей Россохин и искусствовед Мария Ревякина рассматривают картину и рассказывают нам о том, что знают и чувствуют.
«Рождение Венеры» (1483-1485, Галерея Уффици, Флоренция) – одно из самых известных произведений Сандро Боттичелли (1445–1510), великого итальянского живописца эпохи раннего Возрождения, представителя Флорентийской школы живописи.
«ЛЮБОВЬ СОЕДИНЯЕТ ЗЕМНОЕ И НЕБЕСНОЕ»
Мария Ревякина, искусствовед: Венера, олицетворяющая любовь, стоит в морской раковине (1), которую бог ветра Зефир (2) несет к берегу. Раскрытая раковина в эпоху Возрождения была символом женственности и буквально трактовалась как женское лоно. Фигура богини скульптурна, а ее поза, характерная для античных статуй, подчеркивает непринужденность и скромность. Ее непорочный образ дополняет лента (3) в волосах, символ невинности. Красота богини завораживает, но она выглядит задумчивой и отрешенной на фоне других персонажей.
В левой части картины мы видим супружескую пару – бога ветра Зефира (2) и богиню цветов Флору (4), сплетенных в объятии. Зефир олицетворял любовь земную, плотскую, и Боттичелли усиливает этот символ, изображая Зефира с супругой. В правой же части картины изображена богиня Весны Ора Талло (5), символизирующая целомудренную, небесную любовь. Эта богиня также ассоциировалась с переходом в иной мир (например, с моментом рождения или смерти).
Считается, что мирт, гирлянду (6) из которого мы видим на ее шее, олицетворял вечные чувства, а апельсиновое дерево (7) было связано с бессмертием. Так композицией картины поддерживается основная идея произведения: о соединении земного и небесного через любовь.
Цветовой ряд, где преобладают голубые тона, придает композиции воздушность, праздничность и вместе с тем холодность
Не менее символичен и цветовой ряд, где преобладают голубые тона, переходящие в бирюзово-серые оттенки, что придает композиции воздушность и праздничность, с одной стороны, и некую холодность – с другой. Голубой цвет в те времена был типичным для молодых замужних женщин (им окружена супружеская пара).
Неслучайно и наличие большого зеленого цветового пятна в правой части полотна: этот цвет ассоциировался как с мудростью и целомудрием, так и с любовью, радостью, торжеством жизни над смертью.
Цвет платья (5) Оры Талло, переходящий из белого в серый, не менее красноречив, чем пурно-красный оттенок мантии (8), которой она собирается укрыть Венеру: белый цвет олицетворял чистоту и невинность, а серый трактовался как символ воздержания и Великого поста. Возможно, цвет мантии здесь символизирует власть красоты как силу земную и священный огонь, который появляется каждый год на Пасху, как силу небесную.
«ВОСХИЩЕНИЕ КРАСОТОЙ И БОЛЬ ПОТЕРИ»
Андрей Россохин, психоаналитик: В глаза бросается скрытое противоборство на картине левой и правой групп. Слева на Венеру дует бог ветра Зефир (2), олицетворяющий здесь мужскую сексуальность. Справа ее с мантией в руках встречает нимфа Ора (5). Заботливым материнским движением она хочет накинуть на Венеру плащ, словно защитить ее от соблазняющего ветра Зефира. И это напоминает поединок за новорожденную. Посмотрите: сила ветра направлена не столько на море или на Венеру (волн нет и фигура героини статична), сколько на эту мантию. Зефир словно стремится помешать Оре укрыть Венеру.
А сама Венера при этом спокойна, она словно застыла в противоборстве двух сил. Обращает на себя внимание ее грусть, отрешенность от происходящего. Почему в ней нет счастья, радости открытия и узнавания мира?
Я вижу в этом предчувствие близкой смерти. В первую очередь символической – она отказывается от своей женственности и сексуальности ради божественной материнской силы. Венера станет богиней любовного наслаждения, которая сама этого удовольствия никогда не испытает.
Кроме того, на лицо Венеры падает еще и тень реальной смерти. Флорентийская дама Симонетта Веспуччи, которая предположительно позировала Боттичелли, была идеалом красоты той эпохи, но скоропостижно умерла в 23 года от чахотки. Художник начал писать «Рождение Венеры» через шесть лет после ее смерти и невольно отразил здесь не только восхищение ее красотой, но и боль от потери.
У Венеры нет выбора, и в этом причина грусти. Ей не суждено испытать влечение, желание, земные радости
Одежды Оры (5) очень похожи на одежды Флоры из картины «Весна», которая выступает символом плодородия и материнства. Это материнство без сексуальности. Это обладание божественной властью, а не сексуальным влечением. Как только Ора укроет Венеру, ее девственный образ тут же превратиться в материнско-божественный.
Мы можем даже заметить, как край мантии превращается художником в острый крюк: он втянет Венеру в закрытое пространство-тюрьму, обозначенное частоколом деревьев. Во всем этом я вижу влияние христианской традиции – за рождением девушки должно последовать непорочное зачатие и материнство, минуя греховную стадию.
У Венеры нет выбора, и в этом причина ее грусти. Ей не суждено быть женщиной-любовницей, подобной той, которая парит в сладострастных объятиях Зефира. Не суждено испытать влечение, желание, земные радости.
Вся фигура Венеры, ее движение направлены к матери. Еще одно мгновение – и Венера выйдет из раковины, которая символизирует женское лоно: она ей больше не будет нужна. Она ступит на мать-землю и оденется в материнские одежды. Она обернется в пурпурную мантию, которая в Древней Греции символизировала границу между двумя мирами – в нее заворачивали как новорожденных, так и умерших.
Так и здесь: Венера рождается для мира и, едва успев обрести женственность, желание любить, мгновенно теряет жизнь, живое начало – то, что символизирует раковина. Спустя мгновение она продолжит существовать только как богиня. Но до этого момента мы видим на картине прекрасную Венеру в самом расцвете своей девственной чистоты, нежности и невинности.
Об экспертах:
Андрей Россохин — психоаналитик, доктор психологических наук, руководитель магистерской программы «Психоанализ и психоаналитическое бизнес-консультирование», руководитель магистерской программы «Психоанализ и психоаналитическая психотерапия» в НИУ «Высшая школа экономики».
Мария Ревякина — искусствовед, коуч, изучает психоанализ и бизнес-консультирование в НИУ «Высшая школа экономики».

К другим работам по психоанализу искусства

Симонетта Веспуччи

Обворожительная модель и муза, вдохновившая многих мастеров и в том числе Боттичелли, была известной молодой блондинкой из Флоренции . Симонетта Веспуччи — жена Марко Веспуччи, двоюродного брата знаменитого Америго Веспуччи, чье имя было дано новому континенту Америки. Симонетта была легендарной красавицей, и Медичи были одержимы ею, открыто демонстрируя свое восхищение несмотря на ее замужний статус. Симонетта умерла очень молодой, в возрасте 23 лет, и похоронена в церкви Огниссанти во Флоренции.


Портреты Симонетты

Техника написания

Стоит упомянуть исключительную технику и прекрасные материалы, используемые для выполнения работы. Долгое время деревянные панели были самыми популярными для написания картин и будут оставаться популярными до конца XVI века. Дополнительную популярность постепенно набирал и холст. Он стоил дешевле, чем дерево, и считался менее формальным, и более подходящим для частных заказчиков.
Ботичелли использовал в процессе написания дорогой алебастр, который сделал цвета еще ярче и качественнее. Кроме того, картина имеет и собственные уникальные разработки художника: Боттичелли приготовил свои пигменты с очень небольшим содержанием жира и покрыл их слоем чистого яичного белка, что было необычной для его времени техникой. Благодаря такое технике картины Ботичелли своей свежестью и яркостью скорее напоминает фреску. Таким образом, она является первой работой, выполненной на холсте, в Тоскане и «первым масштабным полотном, созданным в эпоху Возрождения во Флоренции».

«Рождение Венеры» Ботичелли: скрытые символы на картине

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *